Licht, Farbe und Raum sind die Leitprinzipien der künstlerischen Arbeit von Christoph Dahlhausen. Dahlhausen verwendet in seinen Werken sorgfältig ausgewählte industrielle Materialien und geht bis ins Detail, um die gewünschten Oberflächen und Reflexionen zu erzielen. Seine Arbeit ist weitgehend konzeptuell.

Ich könnte in meinen Gemälden Landschaften, Gegenstände oder Personen darstellen oder meiner Fantasie freien Lauf lassen, um meine letzten Träume oder solche, die ich haben könnte, zu interpretieren. Das ist jedoch nicht der Fall. Ich habe jede Art von Darstellung aus meiner Arbeit verbannt.

Ich male Bilder, die die Malerei selbst darstellen, bildliche Vorschläge. Andere haben das vor mir getan, aber ich bemühe mich, dies mit meinen eigenen Mitteln zu tun, indem ich die Hauptkomponenten der Malerei berücksichtige, um sie zu hinterfragen.
Unter diesen Komponenten ist der Raum, oder genauer gesagt die Raumgestaltung, für mich nach wie vor das wichtigste Anliegen.

Als Roland Botrel 2017 einen Text über meine Arbeit schrieb, hatte er dies bereits sehr gut erkannt:
„Es ist nicht mehr wie früher, der Schock eines einfarbigen Bildes, das an einer Wand hängt, sondern die Berücksichtigung der Wand, die durch den Farbtupfer verwandelt wird… Was sage ich da, der Wand! Des gesamten Raumes!!!“

Etwas weiter unten kam er zu folgendem Schluss:
„Auch hier gibt es wieder den Wunsch, etwas zu konstruieren, aus dem Rahmen auszubrechen, den Raum zu erobern.“
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass mich Formen und Licht weniger interessieren als der Raum. Formen sind wie Licht nur ein Vorwand, um den Bildraum als solchen erscheinen zu lassen und ihn über die Grenzen des Bildes hinaus zu erweitern.

Ich strebe nach einer reinen Malerei, die den Betrachter nicht dazu auffordert, sich in die Kontemplation zu versenken, sondern vielmehr dazu, sich auf ihre Dynamik einzulassen. Der Betrachter muss sich unaufhörlich in dem Raum bewegen, der meine Gemälde umgibt, um ihre Feinheiten wahrzunehmen und ihre Ausdehnung auf den Ort zu projizieren, der sie beherbergt.

Philippe Chitarrini

In Zusammenarbeit mit und kuratiert durch 37Gallery | Három Het Galéria in Budapest 

18 Künstlerinnen aus 9 Ländern 

Linda Arts (NL), Beti Bricelj (SLO), Gabrielle Conilh de Beyssac (F), Katalin Haász (HU), José Heerkens (NL), Barbara Höller (AT), Ingrid Hornef  (D), Martina Klein (D), Agnes Kontra (HU), Szuzsanna Kóródi (HU), Gabi Mitterer (AT), Riki Mijling (NL), Rita Rohlfing (D), Anikó Robitz (HU), Esther Stocker (IT), Mar Vicente (E)

Ausstellung vom 15. Februar – 27. April 2025

Joe Barnes ist ein Pionier der essentiellen Malerei, der Auseinandersetzung mit den Bedingungen der Malerei und der Monochromie. Seine avantgardistische Haltung hat er konsequent bis zur jahrelangen Beschäftigung mit ausschließlich weißen Bildern geführt.

Seine Fähigkeit, Kontemplation durch den subtilen Auftrag von Farbe auszudrücken, ist tiefgründig. Er läßt den Betrachter eintauchen in ruhige gesättigte Pigmentfelder, reiche Gemälde auf Leinwand und Papier. Ruhe und langsamer Fluß vermitteln sich in einer Art Bild-Meditation. Seine Schichtung der Farbe ist entscheidend, eine Einheit von Farbmaterial und -Träger sowie im Idealfall des Betrachters ist das Ziel.

Joe Barnes geboren 1925 in Detroit, MI, USA
Studium an der Wayne University; am Colorado College, Colorado Springs, CO, USA; am Taylor Museum, Colorado Springs, CO, USA; an der Sorbonne, Paris, Frankreich
Joe Barnes lebt und arbeitet in New York, USA

EINZELAUSSTELLUNGEN GALERIE FLOSS & SCHULTZ 

2016  nothing less

Ausstellungskatalog im PDF-Format

www.artsy.net/galerie-floss-and-schultz/joe-barnes

Masse und Maß sind die zentralen Begriffe in der Beschäftigung mit David Rabinowitchs Bodenskulpturen aus massivem Walzblech. In diesen plastischen Werken, die sich in zahlreichen Museumssammlungen finden, beschränkt sich der kanadische Künstler wie in seinen Zeichnungen auf nur wenige grundsätzliche Elemente, die Linie – meist als Gerade, den Kreis, oder Kreissegmente, verschieden ausgeprägte Ellipsen sowie Fragmente von Ellipsen.

Bereits als Jugendlicher nahm Rabinowitch seine künstlerische Arbeit auf und legte die Grundlagen für seine spätere Karriere als Dozent in Yale, Professor für Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf und seine mehrfache Teilnahme an der Documenta in Kassel. Aus dieser Zeit (1962) stammen die 10 in der Kapelle ausgestellten Antipaintings.

David Rabinowitch  wurde 1943 in Toronto, Kanada geboren und verstarb 2022 in Cleveland, Ohio.

Teilnehmer der Documenta 6 (1977), Documenta 8 (1982) und Documenta 9 (1987)

Teilnehmer der Skulptur Projekte Münster 1977

1984 -2007 Professor an der Kunstakademie in Düsseldorf

Ausstellungen in zahlreichen Museen.

Gestaltung der Fenster und des Mobiliars der Kathedrale Notre-Dame du Bourg in Digne-les-Bains, Basses Alpes 


Rolf Rose ist ein Pionier der ungegenständlichen Farbmalerei. Seit Jahrzehnten untersucht er Farbe auf ihre Wirkung und Interaktion mit dem Licht. Oft mischt er andere Materialien wie Graphit oder Cyaniden ein, die den Arbeiten zusätzliche Tiefe verleihen. Rolf Rose galt über Jahrzehnte als monochromer Maler, wobei er durch mehrfarbige Ränder und manchmal durchscheinende Schichtungen nie dogmatisch gearbeitet hat. 

2018 überraschte Rolf Rose erstmals in einer Einzelausstellung der Galerie Floss & Schultz mit mehrfarbigen großformatigen Arbeiten, die sich heute in der Sammlung Kico befinden.

Rolf Rose  geboren 1933 in Halberstadt
Er lebt und arbeitet in Krempe bei Hamburg und in Berlin

Unter dem Namen molitor & kuzmin begannen Ursula Molitor und Vladimir Kuzmin 1996 ihre künstlerische Zusammenarbeit. Ihr Medium ist das Licht. Sie erarbeiten Lichtskulpturen, -Installationen und autonome Lichtkunstobjekte für die Wand sowie den Außen- und Innenraum – häufig in Kombination mit Stahl, Aluminium, Blei und Beton.
molitor & kuzmin inszenieren Licht auf ungewöhnliche, überraschende Weise. Das Licht, dem sie zur Wirkung verhelfen, ist weder das unterschiedliche Stimmungen vermittelnde Tageslicht, noch ein mystisches, aus einer anderen Welt herüberleuchtendes Licht. Ihr Licht ist vielmehr ein entschieden diesseitiges, alltägliches Licht, wie wir es aus der Lichtwerbung oder vom Arbeitsplatz her kennen. Sie arbeiten mit weißen marktüblichen Leuchtstoffröhren, die sie zu räumlichen Gebilden verdichten, so dass sie ihre skulpturale Form im gleißenden Licht zu verlieren scheinen. Es entstehen Lichtskulpturen, bei denen die Technizität der Teile und deren Materialität in der blendenden Helligkeit aufgehoben ist.

Ursula Molitor  geboren 1947 in Hermannsburg
Studium Grafikdesign in Hamburg
Ursula Molitor lebt und arbeitet in Köln

Vladimir Kuzmin  geboren 1943 in Saporischschja, heute Ukraine
Studium der Architektur in Moskau
Vladimir Kuzmin lebt und arbeitet in Köln

L’ Espace d’Art au Château de la Gardiole mit seiner Galerie, Kapelle und den Gewölben sowie Aussenskulpturen wurde im September 2024 offiziell eröffnet.

Hier einige Impressionen.

Die Kapelle stammt aus dem 16. Jahrhundert und wurde als Hauskapelle genutzt. Mit der Restaurierung des Château wurde auch die Kapelle saniert und in diesem Zuge in einen Kunstraum umgewandelt.