Exposition du 11 avril au 4 juillet 2026

Discussion  avec l’artiste Karine Benvenuti 

le samedi, 13 juin 2026 de 15 à 18 heures

Finissage le samedi, 4 juillet 2026 de 15 à 18 heures

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Karine Benvenuti

artiste-céramiste

née à Marseille en 1959

vit et travaille à Contes / Coaraze

“Karine Benvenuti s’affirme comme sculpteur-céramiste. Dans son approche, ces deux termes résonnent avec une égale intensité : le premier définit la mise en relation de l’objet avec l’espace et la lumière, tandis que le second souligne son rapport fusionnel à la matière. Sa démarche nécessite un engagement total du corps – pieds, mains, coudes-, inscrivant dans la terre l’énergie vitale qui la traverse. Le geste est ici premier dans l’élaboration de la forme avant de devenir motif et de rythmer la surface des volumes.

Karine Benvenuti se saisit de la déformation – inhérente au façonnage d’un bloc de terre – pour explorer les tensions entre le plein et le vide, l’ombre et la lumière, le lisse et le tourmenté. Elle s’attache à explorer toutes les potentialités des émaux au point de parer ses volumes d’une véritable « peau » comme dans la série « À fleur de peau » : les sculptures ne se donnent pas uniquement à contempler, elles se ressentent aussi au travers de sensations physiques palpables. Dans la série « Carapaces », elles semblent animer d’une vitalité interne, s’élevant et se déployant dans leur environnement.

Nourrie par la richesse des matières qu’elle croise — fragments de roche, écorces, morceaux de murs — et par de multiples références artistiques, poétiques et philosophiques, son œuvre ne cesse d’interroger le vivant. La répétition y joue un rôle fondamental : loin d’être une mécanique, elle devient le langage même de l’élan vital, générant mouvement, cohérence et résonance dans l’espace.

Karine Benvenuti offre ainsi des sculptures qui relèvent à la fois de l’intime et de l’universel, ouvertes sur le monde qui les entoure, laissant au spectateur toute liberté de s’emparer de l’émotion qui les a engendrées.”

Céline Graziani

Directrice

Musée Magnelli, musée de la céramique, Vallauris

Joaquim Chancho

peintre

né en 1943 in Riudoms, Tarragona

vit et travaille à Barcelone

Des structures géométriques libres, souvent ouvertes, en combinaison avec des surfaces plastiques et des couleurs méditerranéennes, parfois terreuses,  sont caractéristiques de l’œuvre de Joaquim Chancho. 

Quant aux peintures huiles sur toile Chancho développe ses oeuvres en superposant plusieurs couches de peinture pour dévoiler ensuite partiellement la couche sous-jacente à travers des structures géométriques et crée ainsi des peintures puissantes et profondes. Ses oeuvres sur papier japonais, même que fragiles, sont tout aussi saisissantes à travers de leur grand format et de leur gamme de couleurs.

Chancho recourt à l’abstraction pure, dépourvue de toute référence à des motifs ou d’appropriation. Il ne cherche pas à représenter quoi que ce soit, mais permet au spectateur de laisser son regard se poser sur l’oeuvre jusqu’à ce que des sensations s’éveillent.

Licht, Farbe und Raum sind die Leitprinzipien der künstlerischen Arbeit von Christoph Dahlhausen. Dahlhausen verwendet in seinen Werken sorgfältig ausgewählte industrielle Materialien und geht bis ins Detail, um die gewünschten Oberflächen und Reflexionen zu erzielen. Seine Arbeit ist weitgehend konzeptuell.

Ich könnte in meinen Gemälden Landschaften, Gegenstände oder Personen darstellen oder meiner Fantasie freien Lauf lassen, um meine letzten Träume oder solche, die ich haben könnte, zu interpretieren. Das ist jedoch nicht der Fall. Ich habe jede Art von Darstellung aus meiner Arbeit verbannt.

Ich male Bilder, die die Malerei selbst darstellen, bildliche Vorschläge. Andere haben das vor mir getan, aber ich bemühe mich, dies mit meinen eigenen Mitteln zu tun, indem ich die Hauptkomponenten der Malerei berücksichtige, um sie zu hinterfragen.
Unter diesen Komponenten ist der Raum, oder genauer gesagt die Raumgestaltung, für mich nach wie vor das wichtigste Anliegen.

Als Roland Botrel 2017 einen Text über meine Arbeit schrieb, hatte er dies bereits sehr gut erkannt:
„Es ist nicht mehr wie früher, der Schock eines einfarbigen Bildes, das an einer Wand hängt, sondern die Berücksichtigung der Wand, die durch den Farbtupfer verwandelt wird… Was sage ich da, der Wand! Des gesamten Raumes!!!“

Etwas weiter unten kam er zu folgendem Schluss:
„Auch hier gibt es wieder den Wunsch, etwas zu konstruieren, aus dem Rahmen auszubrechen, den Raum zu erobern.“
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass mich Formen und Licht weniger interessieren als der Raum. Formen sind wie Licht nur ein Vorwand, um den Bildraum als solchen erscheinen zu lassen und ihn über die Grenzen des Bildes hinaus zu erweitern.

Ich strebe nach einer reinen Malerei, die den Betrachter nicht dazu auffordert, sich in die Kontemplation zu versenken, sondern vielmehr dazu, sich auf ihre Dynamik einzulassen. Der Betrachter muss sich unaufhörlich in dem Raum bewegen, der meine Gemälde umgibt, um ihre Feinheiten wahrzunehmen und ihre Ausdehnung auf den Ort zu projizieren, der sie beherbergt.

Philippe Chitarrini